15 oct 2010

Infiltrados


Scorsese vuelve al cine de mafias con esta historia ambientada en Boston que narra cómo a la vez que un policía (DiCaprio) se infiltra en la mafia irlandesa, uno de los mafiosos (Damon) se consigue introducir en el departamento de policía. Nicholson interpreta a un gángster irlandés. Remake de un aclamado film de Hong Kong (Wu jian dao -Infernal Affairs-, 2002), el guión corre a cargo del misterioso William Monahan, un escritor que, sin conocerse trabajo alguno previo, sus primeros guiones son para dos grandes: Ridley Scott en "Kingdom of Heaven" y el propio Scorsese.

Críticas:

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"Un nuevo clásico del cine criminal americano del legendario Martin Scorsese, cuyo talento brilla aquí a su máximo nivel. (...) te clava en la butaca. (...) Una de las mejores películas de Scorsese. (...) Puntuación: **** (sobre 4)." (Peter Travers: Rolling Stone)
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"De vuelta a las calles con un reparto estelar, Martin Scorsese demuestra de nuevo que es 'El maestro' contando historias urbanas... y de la dirección emocionantemente violenta. (...) Puntuación: **** (sobre 5)." (Roberto Sadovski: Empire)
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"Lo que hace de 'The Departed' al tiempo un éxito y un alivio no es que el director de 'Kundun' esté de vuelta a las malas calles donde él pertenece: la clave aquí es la película y la dirección, no la importancia de la épica del director." (Manohla Dargis: The New York Times)
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"The Departed es la película de Scorsese más puramente disfrutable en años. Es ruda, sombría, violenta (...) y si dudas si podrás reirte a lo largo de este infecto nido de paranoia, engaños y baños de sangre, atentos a los últimos momentos." (David Ansen: Newsweek)
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"Esta nueva adaptación del popular film de Hong Kong late con energía, penetrantes diálogos y vibrantes interpretaciones de un gran reparto." (Todd McCarthy: Variety)
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"Es completamente absorbente, una clase magistral de suspense. Pero en términos morales puede que sea la historia con menor implicación personal que Scorsese -un artista muy preocupado por la moral- jamás haya hecho. (J.R. Jones: Chicago Reader)
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"El guión es simplemente sensacional. Las escenas brillantemente interpretadas. Los sentimientos fluyen como lava fundida. Los diálogos desbordan con afilado ingenio (...) Scorsese mantiene un control aún más asombroso por su ligereza, picardía e invisible precisión." (Joe Morgenstern: The Wall Street Journal)
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"Durante los 15 primeros minutos creo con inmenso placer que 'Uno de los nuestros' y 'Casino' van a tener una continuación a su altura. Mi desencanto es grande. Me parece liosa, fría, ninguno de sus personajes consigue hipnotizarme, no aguanto a Nicholson." (Carlos Boyero: Diario El Mundo)
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"Y cuando se acaban sus más de dos horas y media de duración, la percepción no es otra que la de haber asistido a un corto, brutal fragmento de vida cogido en su exaltación más palpitante... no se puede hacer un elogio mayor a una película tersa, brutal, inmejorable." (M. Torreiro: Diario El País)
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"Scorsese vuelve al barrio; y vuelve también a esconder grandes ideas, sentimientos desmedidos, gigantescos, en un recipiente sin ínfulas ni humos (...) Puntuación: **** (sobre 5)." (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)
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"¡Diosssssss, Scorsese! (...) Una de las mejores películas que he visto en mucho, mucho, mucho tiempo. (...) Se llama Jack Nicholson. Da mucho miedo. Y sí, a lo mejor está sobreactuado. ¿Y a mí qué? Id. Acudid. Peregrinad. Entrad a cualquier sala donde pongan 'Infiltrados'. No hace falta deciros que si es en V.O., infinitamente mejor (la voz de Nicholson es impagable)." (Borja Hermoso: Diario El Mundo)
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El Laberinto del Fauno (2006)

Película fantástica en sus dos lecturas, la segunda entrega del ciclo iniciado con El espinazo del diablo promete lirismo crudo y dos horas de entretenimiento con sustancia.


Título Original: El Laberinto del Fauno
Origen: México/España
Director: Gullermo del Toro



A modo de fábula cruel, este magnifico ejemplo de un género denostado se envuelve en poesía producto de la suma de metáforas y guiños. Acuciada desde una visión infantil, casi inexperta y por ello curiosa y atrevida, la fábula se aleja de lo idealizado para entrar en un decadente y obsoleto reino del que no debemos perder detalle.

Como un niño el director de la notable Cronos juega a engañarnos con tanto realismo que nos convence. Toma las claves de la fantasía sin que parezca que confecciona un traje a partir de retales. Cumple con el decálogo de normas y he aquí una muestra: salta de un lado a otro del espejo con soltura, cuenta con una pequeña guía temeraria y atrapa la oscuridad narrada en los límites de una identificable la primera posguerra española. Y no falta la ‘madrastra’, convertida en un malísimo militar.

Si ya convence en trabajos donde desaparece la marca de autor, en uno donde ha volcado tanto amor y terror, no podía fallar: exprime la belleza plástica de los aspectos más crudos y feos de la realidad paralela que no envidian a los del mundo real. A los dos lados hay sombras aunque no son las responsables de nuestros sustos: El honor está reservado a los personajes que sustentan la historia, tremendamente reales, y causantes de más miedo. Confía en 4 actores convincentes sacados de papeles habituales y concede visado a nuestra imaginación, que da para vincular monstruos mitológicos a fascistas. Ese ancla al mundo real es lo que más nos perturba de este cuento de hadas para adultos aunque una expresiva y joven actriz nos guíe entre tinieblas y decadencia.

Confesa su adoración por el estudio de la Guerra Civil, el cineasta también revela el influjo de Goya y su paleta de colores tétrica y angustiosa. Ha sido capaz de homenajear al de los desastres y pinturas negras y emparentarlo con el Kubrick de El resplandor, aunque es Dorothy, la del mundo de Oz, quien puede acabar descuartizada en un remoto bosque de la España fracturada de los años 40. Referentes no faltan, pero la maestría reside en que sean sólo nexos a nuestra cultura fílmica y literaria y no burdas copias.

El responsable de las comerciales Mimic y Hellboy da a los maquis la notoriedad que sólo otorgaron cineastas patrios como Julio Sánchez Valdés en Luna de lobos (a partir de la novela de Julio Llamazares) y Montxo Armendáriz en Silencio roto. Los guerrilleros reaparecen convertidos en sombras del bosque visitado por la niña especial que podría ser compañera de juegos de la Wendy amiga de Peter Pan, y Alicia, asidua al país de las maravillas.

Del Toro consigue recuperar esas hadas que existen sólo cuando eres niño. Las viste de malicia, emparentándolas con los malos oficiales que se inclinan a la derecha y nos hacen retorcer de angustia. Maniqueísmos consentidos a un lado, les invitamos a que entre al laberinto sin riesgo de perderse ya que es visible sólo para nosotros, que sabemos donde mirar siempre y cuando estemos guiados por el cicerone adecuado. Y Guillermo lo es.

*Fuente: http://contenidoscriticasdecine.blogspot.com/2006/10/crtica-el-laberinto-del-fauno.html

Sinopsis:

“El laberinto del fauno” nos sitúa en el año 1944, quinto año de paz, y cuenta el apasionante viaje de Ofelia (Ivana Baquero), una niña de 13 años que junto a su madre, Carmen (Ariadna Gil), convaleciente a causa de un avanzado estado de gestación, se traslada hasta un pequeño pueblo en el que se encuentra destacado Vidal (Sergi López), un cruel capitán del ejército franquista, nuevo marido de Carmen y por el que Ofelia no siente ningún afecto.

La misión de Vidal es acabar con los últimos vestigios de la resistencia republicana, escondida en los montes de la zona.

También ahí se halla el molino donde Vidal tiene su centro de operaciones; en él les aguardan Mercedes (Maribel Verdú), una joven que se encuentra a cargo de los demás miembros del servicio, y el doctor (Alex Angulo), que se hará cargo del delicado estado de salud de Carmen.

Una noche Ofelia descubre las ruinas de un laberinto donde se encuentra con un fauno (Doug Jones), una extraña criatura que le hace una increíble revelación: Ofelia es en realidad una princesa, última de su estirpe, a la que los suyos llevan mucho tiempo esperando. Para poder regresar a su mágico reino, la niña deberá enfrentarse a tres pruebas antes de la luna llena. En el transcurso de esta misión, fantasía y realidad se abrazan para dar rienda suelta a una maravillosa historia donde la magia que rodea a Ofelia nos transporta a un universo único, lleno de aventuras y cargado de emoción.


Críticas:


"Impresionante película. (...) Una gozada de trabajo." (Antonio Gasset: Días de cine)
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"Extraordinaria y cruel. (...) Una soberana lección de cine bien hecho y medido, en el que los excesos quedan siempre a buen resguardo bajo el paraguas de la fábula, y donde el director jamás hace trampa" (M. Torreiro: Diario El País)
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"Imaginativa e inquietante." (Carlos Boyero: Diario El Mundo)
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"La potente imaginación del director (...) convierte la película en un constante estupor visual y en una trama llena de hechizo y pavor, sin que ninguna de las dos cosas sustituya a la otra. (...) Puntuación: **** (sobre 5)." (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)
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"Un laberinto para perder el sentido. (...) no es sólo una película fantástica de factura deslumbrante e inagotable miga conceptual, sino que se trata del mejor trabajo hasta la fecha de su director." (Jordi Costa: Diario El País)
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3 sept 2010

Vampire Hunter D: Bloodlust (2000)

Cinta de anime escrita y dirigida por Yoshiaki Kawajiri. La historia está basada en el tercer volumen de la novela gráfica “Vampire Hunter D” de Hideyuki Kikuchi, titulada “D-Demon Deathchase”.

“D”, un hombre mitad vampiro, mitad humano, es contratado para localizar a Meier Link, un poderoso vampiro que ha secuestrado a una joven llamada Charlotte Elbourne. Las órdenes de “D” son claras, encontrar a Charlote a cualquier precio y traerla de vuelta. Por primera vez “D” tendrá que enfrentarse a serios competidores en la búsqueda de la muchacha, los hermanos Markus, también contratados para el mismo fin. Es así como “D” deberá interceptar a Meier y superar a poderosos adversarios en una carrera mortal a contratiempo.

Antes de analizar la cinta, primero un poco de historia. En el año 1983, Hideyuki Kikuchi publica la primera de 20 novelas de la serie “Vampire Hunter D”. Dicha novela está situada en un futuro distante, específicamente en el año 2090. Para ese entonces, la civilización humana es destruida casi completamente a raíz de una guerra nuclear, reduciendo notablemente la población mundial. A causa de esto, la sociedad retrocede a una organización de tipo feudal cuyos señores son un grupo emergente de “aristócratas”, que son nada menos que vampiros. 10.000 años después, de una manera misteriosa e inexplicable, estos “aristócratas” comienzan a sucumbir permitiendo a los humanos retomar el control de sus destinos en las grandes ciudades. Los pocos vampiros que han logrado sobrevivir, se han replegado a las zonas rurales, donde han creado monstruos de todas clases con el fin de sobrevivir. Es por esta razón, que entre los humanos han surgido “cazadores de recompensas”, de entre los cuales el más temido es “D”, un hombre de una raza llamada dunpeal, los cuales llevan en sus venas la sangre mezclada de humanos y vampiros.

Quince años después de realizar la primera adaptación animada del trabajo de Kikuchi, titulada “Vampire Hunter D” (1985), el cual es un film de culto que además es uno de los primeros animes en ser distribuido fuera de Japón, el director Yoshiaki Kawajiri, responsable de “Ninja Scroll” (1993), se da la tarea de adaptar la tercera novela de la serie de este personaje del cual no se sabe mucho acerca de su vida. Los planes para realizar una nueva cinta animada de “Vampire Hunter D”, nacieron en 1997, cuando el productor Mataichiro Yamamoto se asoció con la productora Madhouse, donde el director Kawajiri era uno de los dueños. En julio de 1996, Yamamoto creó la compañia Urban Vision Entertainment en los Estados Unidos, con el fin de saciar la creciente demanda de anime de la industría norteamericana. Durante sus negociaciones, Madhouse mencionó que estaba realizando una nueva cinta basada en el trabajo de Hideyuki Kikuchi, la que estaría terminada en aproximádamente cuatro años más. A Yamamoto le interesó la propuesta al punto de involucrarse no tan solo como distribuidor del film, sinó que también como productor.

A diferencia de la primera cinta, donde se nos presentaba a “D” como el único “héroe” de la historia, personaje que dicho sea de paso representa el clásico estereotipo del misterioso jinete solitario que va de pueblo en pueblo buscando trabajo como cazador de vampiros (algo similar al típico caza recompensas del western), en esta ocasión el protagonista no está solo. En esta ocasión tiene competencia; un grupo de despiadados mercenarios, entre los cuales resalta Leyla la cual termina ayudándolo involuntariamente en un par de ocasiones. La historia se torna rápidamente en una persecución vista desde tres ángulos distintos, a través de territorios ocupados por humanos y por monstruos. Todos los involucrados en esta persecución se ven atrapados en una carrera contra el tiempo; “D” y los cazadores de recompensa corren tanto para rescatar a la chica, como para evitar que el otro se quede con el dinero ofrecido por el padre de Charlote, mientras que el vámpiro huye desesperádamente para llevar a cabo su plan.

La película presenta díalogos bastante bien construidos y personajes bien desarrollados, pero su mayor fortaleza reside en el impacto visual de la animación. La espléndida dirección de Kawajiri es reforzada con hermosos dibujos. Gran parte de la historia sucede de día, a través de bosques plagados de árboles y flores. Los palacios de los vampíros son una extraña pero interesante mezcla de estilos, donde lo medieval y lo futurísta se mezclan en su justa medida. De la misma forma, existe un cuidado diseño de los personajes, el cual estuvo a cargo del artista Yoshitaka Amano, quien trabajó de cerca con el director de animación, Yutaka Minowa, en la confección del vestuario de los mismos. Aunque la fluidez de sus movimientos es relativamente escasa, el énfasis que pone Kawajiri en las expresiones faciales y el lenguaje corporal, ayudan a crear la ilusión de que los personajes tienen vida propia.

Lo importante es que ninguno de los personajes principales que aparecen en esta cinta presenta una personalidad unidimensional. Muy por el contrario, todos tienen una personalidad compleja. “D” por ejemplo, posee una peculiar particularidad; en su mano izquierda tiene como huesped a una entidad parásita con facciones humanas. Esta entidad actúa como si fuese el subconsciente de “D”, mostrándose como un personaje cínico, al cual poco le importa el destino de humanos o vampiros. Leyla por su parte, pese a mostrarse como una chica ruda e independiente, de a poco deja entrever lo sola que se siente en un mundo regido por la violencia. Incluso el villano de turno es más complejo de lo que parece, ya que hasta bien avanzada la historia es difícil saber cuales son sus verdaderas intenciones.

“Vampire Hunter D: Bloodlust”, presenta una serie de características a su favor. Además de la excelente calidad de la animación, que es muy superior a la de la primera adaptación animada, presenta una historia atrayente, llena de vueltas de tuerca, un grupo de personajes con identidad propia, que en la mayoría de los casos no son lo que parecen, y una buena banda sonora del compositor Marco D´Ambrosio. Para quienes hayan leído la novela gráfica podrán darse cuenta las múltiples diferencias que la adaptación presenta con el texto original. Lo bueno de esta cinta es que no es necesario estar familiarizado con la novela o haber visto la adaptación anterior, lo que la transforma en una historia independiente. En conclusión, “Vampire Hunter D: Bloodlust” es tal vez el mejor anime de vampiros que me ha tocado ver. Lo que si es seguro, es que es una interesante historia que mezcla elementos propios del género del horror, con otros de la ciencia ficción, dando como resultado un viaje de aproximadamente 100 minutos, el cual resulta bastante placentero.

26 ago 2010

First Squad: The Moment of Truth (2009)

First Squad mezcla un suceso histórico con elementos de ficción, inspirándose en las leyendas paranormales u ocultistas que siempre han estado ligadas al régimen nazi alemán.

Es 1942, el Ejército Rojo opone una violenta resistencia contra las fuerzas alemanas. Nadia es una chica de 14 años, médium. Durante una ataque aéreo Nadia sufre una fuerte contusión en su cabeza. Tras su recuperación descubre que posee un extraño don. Nadia es capaz de ver "los momentos de la verdad", aquellos momentos en que una decisión individual cambia el curso de una guerra.



La habilidad de Nadia es imprescindible para la sexta división del servicio de inteligencia militar ruso, la cual está manteniendo una guerra secreta contra Ahnenerbe -una orden oculta dentro de las SS-, Ahnenerbe invoca desde el reino delos muertos al barón von Wolff, con el que pretenden cambiar el curso de la historia y dominar el mundo. Nadia, para evitar el propósito del barón von Wolff, deciderecutar desde el más allá a los pioneros del First Squad.

El diseño de personajes corre a cargo de Hirohumi Nakata, quien trabajó en Batman: Gotham Night y coproduce la obra Elko Tanaka, uno de los tres productores de The Animatrix.

Akira: Un clásico del anime japonés

Película de animación nipona del año 1988 basado en los comics del fabuloso y sublime realizador y director de anime Katsuhiro Otomo.




Akira va mas allá del típico anime. Es un film de gran calidad visual y un complejo argumento hacen de ella, un largometraje (de 125 min) destinado a un público más bien adulto amante de la Ciencia Ficción y el Cyber punk quien lo elevó a un film de culto, al igual que la más que sobresaliente Blade Runner (1982) de Ridley Scott.
Akira en su dia llegó a ser la película de animación más cara de la historia con sus 10 largos años de producción.

Excelente banda sonora de Shoji Yamashiro, la cual rompe otro paradigma al incluir música "¿folk oriental?" en secuencias como la pelea entre pandillas. Nada de J rock.

Sinopsis: Una explosión atómica ha devastado Tokio. Ahora, 31 años después, la ciudad ha sido reconstruida pero el tejido social se está desgarrando. Revueltas civiles, anarquistas, pandillas callejeras y toda clase de violentos criminales asolan las calles de Neo Tokio, mientras que se ha erigido un estado policial. Tetsuo, miembro de una pandilla de motociclistas, cae herido en una refriega contra otra banda rival. Al mismo tiempo, un chico deforme aparece sorpresivamente en el lugar, a la vez que se encontraba huyendo de la policía. A la escena acuden numerosas fuerzas armadas que se llevan al chico y a Tetsuo a una instalación militar secreta. Los compañeros de banda de Tetsuo desconocen el paradero de éste, y uno de ellos - llamado Kaneda - se topa con Ryu, una chica que pertenece a la guerrilla. Kaneda se une a las fuerzas guerrilleras, y junto con la chica penetran a la base militar, para descubrir que allí se realizan experimentos genéticos para desarrollar el poder síquico de los pacientes que retienen contra su voluntad, y descubrir a un elegido, un ser todopoderoso que pueda controlar una descomunal fuente de energía conocida como Akira.



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Conozca más sobre la película en:

12 jul 2010

Arribados 12 de julio 2010

Zatoichi [2003]
Dragón Rojo (Red Dragon) [2002]
Mundo Acuático (Waterworld) [1995]
Nacido Para Matar (Full Metal Jacket) [1987]
Muerte Súbita (Sudden Death) [1995]

4 jul 2010

Arrivados 3 julio 2010

Los Federales
El Baile Prohibido
Masacre en el Bronx
Infierno
Mi Vecino es un espía
Alma de Campeón
El Nombre de la Rosa
Orgullo y Prejuicio
La Reina de Persia
Tristán e Isolda
Camino a Casa
Liberen a Willy
Scary Movie 3
Scary Movie 4
Diarios de Motocicleta
Por Siempre Jamás

22 jun 2010

John Carpenter


[-BIO-]

Nacido John Howard Carpenter en Carthage (New York), el 16 de Junio de 1948. Ya de niño mostraba una temprana vocación cinéfila. Con 14 años, ni más ni menos, había rodado 4 cortos en 8 mm.: Revenge of the Colossal Beast, Gorgo vs. Godzilla, Terror from Space y Sorcerers from Outer Space. Los títulos lo dicen todo. Con 15 años, creó su propia productora, Emerald, donde rodó Warrior and the Demon y Gorgon, the Space Monster. con 17 años se dedicó a publicar su propio fanzine: Fantastic Films Illustrated. A pesar de que su padre, violinista y profesor de música, esperaba de él que se dedicara a dicho arte, la prometedora carrera de su hijo en el cine quedó marcada al ganar, con sólo 22 años, el Oscar al mejor cortometraje por La resurección de Bronco Billy (Bronco Billy Resurrection, 1970). Había comenzado los estudios de cine en la Universidad del Sur de California, con maestros de la talla de John Ford, Hitchcock e incluso Orson Welles, aunque dejó estos estudios inacabados. No quedó inacabado, a pesar de los muchos contratiempos, su primer largometraje: Estrella Oscura (Dark Star, 1974), que realizó en estrecha colaboración con Dan O´Bannon, coguionista de Alien, el 8º pasajero y Desafío Total. Asalto a la comisaría del Distriro 13 (Assault on Precint 13, 1976) , además de mostrar la huella de Howard Hawks en el estilo de Carpenter, inició la consagración de este como director a raíz de su éxito en el festival de cine de Londres, en otoño de 1977 y con motivo de una retrospectiva dedicada a la serie B. Fue La noche de Halloween (Halloween, 1978), la que lanzó a la fama al director, tanto en lo que a taquilla se refiere como en el respeto que la crítica empezó a profesarle. De hecho, sus filmes anteriores ya se habían convertido en obras de culto que todo cinéfilo de pro en California tenía que ver. La niebla (The Fog, 1979) mantuvo alto el listón, a pesar de lo irregular de la película: vale la pena recordar sólo algunas escenas, obviando el trabajo magistral de fotografía a cargo de Dean Cundey. En 1997: Rescate en Nueva York (1997: Escape from New York, 1981), a parte de preludiar un futuro apocalíptico como luego haría Blade Runner, se repitieron las participaciones de los que serían sus actores fetiche: Donald Pleasence y Kurt Russell. La relación con éste último había comenzado en Elvis (Elvis, 1979), una curiosa biografía del "rey del rock" que no deja de desentonar junto al resto de la filmografía de Carpenter. En La Cosa (The Thing, 1983), un arriesgado remake de El enigma de otro mundo, que dirigió en 1951 Christian Nyby, bajo la producción y el tutelaje de Howard Hawks. Carpenter combinó el suspenso y los efectos especiales para crear una atmósfera de pánico. Tal vez lo consiguió, tal vez no, pero lo cierto es que su carrera, a partir de entonces, empezó a trastabillar hasta rozar el descalabro. Christine (Christine, 1983), basada en la novela de Stephen King, decepcionó. La impersonal y muy "a lo Spielberg" El Hombre de las Estrellas (Starman, 1984) producida por Michael Douglas y con efectos especiales elaborados por Industrial Light & amp; Magic, se contradecía de manera incómoda con el pesimismo del primer Carpenter. Es interesante ver que, cuánto más seguras han sido las bazas con que ha jugado Carpenter, parece que peores han sido los resultados. Sobre su siguiente película, Golpe en la pequeña China (Big Trouble in Little china, 1986, Carpenter dijo: "Pienso que me estoy haciendo viejo en mi carrera profesional, ya tengo casi cuarenta años, debía aprovecharme y hacer algo completamente loco mientras pueda hacerlo". Toda una declaración de principios para un producto nostálgico que chocó con el fracaso en taquilla. El príncipe de las tinieblas (Prince of Darkness, 1987) y Están vivos (They Live !, 1988) podrían haver significado, con mayor o menor acierto, un retorno al joven Carpenter y una promesa, pero la casi frustrante Memorias de un hombre invisible (Memoirs of an Invisible Man , 1992), servil con el productor y protagonista Chevy Chase, dejó a Carpenter en esa desequilibrada situación que lo caracteriza. Entre tanto, algunos trabajos de Carpenter para la pequeña pantalla habían creado escuela: Someone is Watching me, Panthers Revolt, Never too Young o Ladrones de cuerpos (Body Bags, 1993) son algunos de los títulos.

*Fuente: http://wazzo.tripod.com/Carp-1.html


[-TRAILERS-]

La Niebla (The Fog) [1980]



La Cosa (The Thing) [1982]



Christine [1983]



Vampiros (John Carpenter's Vampires) [1998]



The Ward [2010] -primera secuencia-

Stanley Kubrick


[-BIO-]

Stanley Kubrick nace en Nueva York el 26 de Julio de 1928; su padre, que tuvo una gran influencia en él, era un médico que trabajaba en el barrio del Bronx. Su familia tenía un origen centroeuropea ya que su abuela era de ascendencia rumana y su abuelo era austro-húngaro. A los doce años su padre le transmite su pasión por el ajedrez, del que es un consumado especialista y al que muchos atribuyen su meticulosidad y cerebralidad, y a los trece años le regala una cámara fotográfica iniciando su pasión por la imagen; "Me enamoré de ese artilugio" ha confesado. Como casi todos los grandes genios (y algunos que no lo son y que jamás llegarán a serlo), fue un mal estudiante, destacando tan solo en física. Se dedicaba a hacer fotos de sus profesores en actitudes extravagantes sobre todo de su profesor de literatura Aaron Traister, el cual le consiguió un contrato con la revista "Life". La prioridad de matrícula de los ex-combatientes y sus malas calificaciones le cierran el paso a los distintos "colleges", pero a los 17 años empieza a trabajar para la revista "Look"; su foto de portada de un vendedor de periódicos entristecido por la muerte del presidente Rooselvet dio la vuelta al mundo. Hasta los 21 años se dedica a viajar por toda Norteamérica siendo uno de los fotógrafos más prestigiosos y mejor pagados. En 1.950, con 21 años, decide hacer su primer cortometraje. Con la ayuda de 3.900 dólares que tenía ahorrados de su trabajo como reportero, Kubrick hizo DAY OF THE FIGHT con una cámara de 35 milímetros marca Eyemo que aprendió a manejar en una mañana que estuvo en la Camera Equipment Company. Burt Zucker, un empleado de esa empresa, le enseñó a empalmar, a cortar y a usar el sincronizador que alquiló él mismo. La película fue vendida a la RKO-Pathé por 4.000 dólares cumpliéndose el sueño de cualquier realizador primerizo; que su película fuera exhibida públicamente. Ilusionado por el éxito, realizó THE FLYING PADRE que, si bien no le reportó ninguna ganancia económica, le decidió a dedicarse por completo al cine. En estos años, Kubrick vivía de préstamos familiares y de torneos de ajedrez.

Poseedor de un miedo increíble a volar a pesar de que consiguió el título de piloto aficionado, no permite que su chofer supere los 60 km por hora, es descuidado en el vestir, odia conducir y se considera un buen "gourmet". Casado a los 18 años con Tobe Metz y más tarde con Ruth Sobotka, bailarina de la compañía Balanchines City Center que realiza una breve aparición en KILLER'S KISS, conoció a su actual esposa, la pintora Christiane Herlan durante el rodaje de PATHS OF GLORY. En la década de los 50 realiza dos importantes thrillers: El beso del asesino (KILLER´S KISS, 1955) y Atraco perfecto (THE KILLING, 1956). Sus films son ásperos y polémicos , con un tono brusco y despreocupado por la sintaxis tradicional : en el antimilitarista Paths of Glory ; en Lolita , basada en la polémica novela de Nabokov ; en los ambiciosos y espectaculares: Espartaco y 2001: una odisea del espacio. Todos ellos poseen un sello propio y unos temas constantes como la muerte y la violencia, el sexo y el humor , junto a un penetrante sentido crítico que no pone límites a ningún pudor, como sucede, por ejemplo, en La naranja mecánica , basado en una obra de Anthony Burgess. Interesado por la fábula evocadora en la pacifista Dr. Strangelove, con pretensiones intelectuales un tanto elitistas en la cripto-nietzchiana 2001, magistral película que revitalizaría el género de la ciencia-ficción, (algunos hablan de un antes y un después de 2001), el lenguaje fílmico de Kubrick es tan directo como sugerente, y de difícil transcripción como estilo concreto. Acaso su independencia creadora y la variación de géneros le han llevado a una inconcrección y búsqueda constante. Conciso e imaginativo, inventor de formas e influido por el expresionismo de Fritz Lang y por Samuel Fuller en los primeros tiempos, Kubrick trabaja con guiones muy elaborados y estudia con minuciosidad de ajedrecista los decorados, la luz, el vestuario, a la vez que cuida la banda sonora y recurre al travelling con intencionalidad estético-ideológica. Asimismo, controla el montaje y lanzamiento de sus películas hasta el final, incluido el doblaje a otros idiomas.

*Fuente: http://www.members.tripod.com/~wazzo/Kubrick.html


[-TRAILERS-]

Espartaco (Spartacus) [1960]



La Naranja Mecánica (A Clockwork Orange) [1971]



El Resplandor (The Shining) [1980]

Nacido Para Matar (Full Metal Jacket) [1987]



Ojos Bien Cerrados (Eyes Wide Shut) [1999]

Miloš Forman

Miloš Forman es un director de tomas abiertas y de profundo
análisis de personajes. Sus películas son majestuosas y sus personajes destacan
por el lado humano.



[-BIO-]

Director y productor checoeslovaco nacido el 18 de Febrero de 1932 en Cáslav. Sus padres murieron en un campo de concentración nazi durante la segunda guerra mundial. Es uno de los pocos directores extranjeros que se ha establecido y encontrado un éxito consistente dentro de la industria del cine americano. De la misma manera que Fritz Lang, Forman fue un realizador influyente en su patria que consiguió mantener una influencia equivalente en Hollywood. Sus películas checas, como LOS AMORES DE UNA RUBIA (1965) y THE FIREMEN'S BALL (1968), marcan una diferenciación temática y una ruptura de estilo con las generaciones anteriores de realizadores de su país, y tuvo un papel preponderante en la Nueva Ola Checa de los 60s. Forman llegó a los Estados Unidos en 1968, después de la invasión soviética a su tierra. Su primera película en América fue TAKING OFF (1971), que no tuvo mucho éxito comercial pero fue alabada por la crítica. ATRAPADO SIN SALIDA (1975), con Jack Nicholson y Louise Fletcher, solidificó su reputación en USA, ganando cinco premios Oscar. Continuó con una serie de triunfos que incluye HAIR (1979), RAGTIME (1981) y AMADEUS (1984). Un tema persistente en su trabajo es el conflicto generacional, particularmente dentro del contexto familiar. No falta tampoco la crítica política, el humanismo y la suave ironía.

[-TRAILERS-]

Amadeus [1984]



Los Fantasmas de Goya (Goya's Ghost) [2006]

Akira Kurosawa

[-BIO-]

Conocido como "El emperador del cine", Akira Kurosawa nació en 1910 y fue el menor de los siete hijos de un oficial descendiente de samurais y de una mujer perteneciente a una familia de comerciantes en Omori, Tokio. Estudió bellas artes, pero el temor de no ser un buen pintor y su interés por el cine lo llevaron en 1936 a trabajar en los estudios cinematográficos Toho en Tokio, primero como ayudante del director Kairo Yamamoto y luego como guionista de distintos realizadores.

Debutó como director durante la Segunda Guerra Mundial con La leyenda del gran judo (1943) y La nueva leyenda del gran judo (Zoku sugata sanshiro, 1945), historias llenas de espíritu nacionalista. En la segunda mitad de la década de los cuarenta realizó siete películas, entre estas destacan: No añoro mi juventud (Waga seishum ni kuinashi, 1946) y Un domingo maravilloso (Subarashiki nichiyobi, 1947), sólidos dramas, pero sobresale El Ángel borracho (Yoidore tenshi, 1948), la trama enfrenta a un médico alcohólico y a un gángster tuberculoso y fue la primera de su larga serie de colaboraciones con el famoso actor Toshiro Mifune, y además rodó El perro rabioso (Nora inu, 1949), un triller policiaco donde ofreció una visión neorrealista del Tokio de la postguerra.

Se dio a conocer internacionalmente con Rashomon (1950), cinta que trata sobre distintos puntos de vista acerca de una violación ocurrida en el siglo XI, y por la que resultó ganador del León de Oro de la Muestra de Venecia y del Oscar a la mejor producción extranjera en 1951. El éxito obtenido con Rashomon, le permitió rodar con total libertad: El idiota (Hakuchi, 1951), adaptación del clásico de Fiodor Dostoievski; Vivir (Ikiru, 1952) sobre la vida de un funcionario con cáncer; Los siete samuráis (Shishinin no Samura, 1954), historia de época con la cual gana nuevamente el León de Oro de la Muestra de Venecia; Los bajos fondos (Donzoko, 1954), versión de la obra homónima de Máximo Gorki; El trono de sangre (Kumonosu-jo, 1957), adaptación de Macbeth, de William Shakespeare; La fortaleza escondida (Kakushi toride no san Akunin, 1958) historia de época; El mercenario (Yojimbo, 1961), relato de samuráis, y El infierno del odio (Tengoku to jigoku, 1963), adaptación de una novela policiaca del especialista norteamericano Ed McBain.

Tras el fracaso comercial de Barba roja (Aka Hige, 1965), producción histórica sobre la vida de un médico, tardó cinco años en filmar El camino de la vida (Dodes ka-den, 1970), su primer trabajo en color, que consiste en una dura parábola sobre la otra cara del desarrollo económico. A pesar de que se trató de un gran cinta, el fracaso comercial propició que el famoso realizador no encontrara productores para sus siguientes proyectos, asunto que lo sumergió en una profunda depresión y lo llevó a un intento de suicidio. Cinco años después gracias al apoyo de la entonces Unión Soviética consiguió financiamiento para rodar Dersu Uzala, y llevar así a la pantalla las memorias del explorador Vladimir Arseniev.

Dersu Uzala, fue un éxito inesperado, una película reconocida entre sus mejores trabajos y con la cual ganó el gran premio del Festival de Moscú y el Oscar a la mejor película extranjera en 1975.

En 1980 recibió el Oscar por su trayectoria y filmó, Kagemusha con la ayuda de George Lucas y Francis Ford Coppola, recibiendo por esta cinta la Palma de Oro del Festival de Cannes. En 1984 filma Ran, nuevamente una adaptación de Shakespeare, al realizar la versión cinematográfica de El rey Lear. En 1990 comienza el rodaje de Los sueños de Akira Kurosawa, con la producción de George Lucas y Steven Spielberg.

Sus dos últimos trabajos fueron Rapsodia en agosto (1991) y Madayayo (1993) cintas que a su muerte, ocurrida el 6 de septiembre de 1998, mientras dormía, aún no habían sido proyectadas.

Filmografía

Sugata sanshiro, 1943. (La leyenda del gran Judo)
Ichiban utsukushika, 1944. (La mas bella)
Zoku sugata sanshiro, 1945. (La nueva leyenda del gran Judo)
Tora-no-o fumu otokotachi, 1945. (Los hombres que caminan sobre la cola del tigre)
Asu o tsukuru hitobito, 1946. (Los que construyen el porvenir)
Waga seishum ni kuinashi, 1946. (No añoro mi juventud)
Subarashiki nichiyobi, 1947. (Un domingo maravilloso)
Yoidore tenshi, 1948. (El ángel borracho)
Shizukanara ketto, 1949. (Un duelo silencioso)
Nora inu, 1949. (El perro rabioso)
Shubun, 1950. (Escandalo)
Rashomon, 1950
Hakuchi, 1951. (El idiota)
Ikiru, 1952. (Vivir)
Shichinin no samurai, 1954. (Los siete samurais)
Ikimona no kiroku, 1955. (Crónica de un ser vivo)
Kimonosu-jo, 1957. (El trono de sangre)
Donzoko, 1957. (Los bajos fondos)
Kakushi toride no san-akunin, 1958. (La fortaleza escondida)
Warai yatsu hodo yoku nemuru, 1960. (Los canallas duermen en paz)
Yojimbo, 1961. (El mercenario)
Tsubaki Sanjuro, 1962. (Sanjuro)
Tengoka to jigoku, 1963. (El infiero del odio)
Akahige, 1965. (Barbaroja)
Dodes ka-den, 1970.
Derzu Uzala, 1975.
Kagemusha, 1980. (La sombra del guerrero)
Ran, 1985. (Batalla)
Konna yume wo mita, 1990. (Sueños)
Hachigatsu no rapusodi, 1991. (Rapsodia de agosto)
Madadayo, 1992. (Espera un poco)

*Fuente:
http://redescolar.ilce.edu.mx/redescolar/act_permanentes/luces_de_la_ciudad/CineClub/akira.htm


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Caos (Ran) [1985]